Festival Interancional De Danza – Extremadura – Lenguaje Contemporaneo

Una propuesta de la danza para el reencuentro con el cuerpo

       Un silencio álgido siempre precede a una enérgica interrogación sobre nuestros propósitos más ocultos.

En el teatro Espacio Rogelio Villarreal de la Escuela de Artes Escénicas de la UANL, se presentó ayer la obra de danza contemporánea Circuito Movimiento como parte del décimo tercer Festival Internacional de Danza-Extremadura-Lenguaje -Contemporáneo, en una serie de eventos de la agenda de Conarte.

       Bajo la dirección de Vanesa Moya, y con sus arreglos coreográficos, la compañía de bailarines Can de Res ofrece un espectáculo sugerente, humorístico, y con algunas partes trágicas en su discurso semiteatral del hombre moderno ajeno a todo pero participante involuntario de un caos generalizado. La falta de consciencia del cuerpo y de identidad se indican como causas principales de este desorden muy a la medida de la época.

       El cuerpo se vuelve insensible cuando su vigor queda preso en la jaula de la mecanización de la vida y el hacinamiento, pierde la intuición natural y la bondad en sus acciones. A través de símbolos, Circuito Movimiento ilustra el apego irracional a ilusiones tóxicas, a sueños estériles, y a las cosas en general.

       Así, la inquietud fisiológica dolorosamente reprimida es causa de un estado de alteración persistente que bloquea toda posibilidad de hacer un vínculo sincero con el mundo. Toda posibilidad de comunicación y acuerdo quedan saboteadas y hacen a la humanidad regresar a sus estadíos más primitivos. El hombre vive negado de la interpretación que le brindan sus sentidos, las dimensiones morales del individuo van reduciéndose hasta llegar al aniquilamiento.

       Una danza poco convencional cuestiona todos nuestros convencionalismos, y en el aspecto teatral el uso de la ironía pone al descubierto el sin sentido de nuestros días, lo mismo que nuestro horror de acercarnos y mirar ese vacío.

       El baile se vuelve una especie de melodrama, cuya musicalización apoyada con multimedia, permite un mayor acceso a la comprensión. La media luz del escenario añora los momentos de mayor claridad.  El habla sólo apoya como elemento para ejemplificar la descomposición interior. Los movimientos vienen de lo lento y se precipitan en velocidad y direcciones confusas, a medida que aumenta el ruido dentro de la mente. Demasiado ruido, demasiado movimiento.

       La demencia es el resultado final de esta lucha humana por evadir la responsabilidad individual de encontrarse consigo mismo.  Circuito Movimiento hace todas esas vueltas de aparente huida.

I need you ‘cause without you I am nothing

En el teatro Espacio Rogelio Villarreal de la Facultad de Artes Escénicas de la UANL se presentó ayer jueves 27 de octubre el dueto Domenico Giustino y Olga Gutiérrez en un espectáculo nominado We will announce the title later en el marco del XIII  Festival Internacional de Danza-Extremadura-Lenguaje Contemporáneo
La obra, titulada así como una referencia clara al estilo innovador e improvisado que surge de la colaboración entre Domenico Giustino y Hector Thami Manekelha (quien acompañaría originalmente pero no pudo salir de su país natal por causas de fuerza mayor), da muestra de lo que hoy día exige una sociedad cansada de tanta intolerancia, de tanta apatía, de tanto mirar lo mismo.
La colaboración más que la dirección, la exploración más que sola presentación de una idea preconcebida es lo que marcó la velada. Con un introito pausado, cargado de sombras, de incertidumbres y de posibilidades, Domenico y Olga salen al escenario como dos seres en búsqueda de otro.

El autorreconocimiento del cuerpo en el momento y el contexto concreto es tan sólo el primer paso que el Ser debe llevar a cabo para pasar luego al descubrimiento del otro y reconocerlo como un igual. La represión que uno puede ejercer sobre el otro se estira y afloja en una búsqueda que no se conforma con la danza, sino que también explora el tacto, el olfato, la palabra misma. La vista, el sentido más engañoso porque presenta una imagen inconclusa, se niega para que el resto del cuerpo interactúe con el otro.
Una vez reconocidos, los dos cuerpos pueden plantearse sus dudas. ­­¿Qué es ser hombre? ¿Qué es ser mujer? ¿Qué es ser un poco machista pero con conciencia? La cuarta pared desaparece y ahora no es sólo un cuestionamiento entre dos sino un cuestionamiento de dos hacia el resto, hacia los espectadores que no pueden más que contestar.
El cuerpo deja de ser simplemente un instrumento de baile y se convierte en un estuche de monerías que contiene voz y movimiento. Luego, la danza se concreta y se enfoca en sí misma para dirigirse a todos en una voz: “les quiero recordar que estamos en un estado de crisis”. Situados en un espacio concreto, la exploración se convierte en manifestación. En una búsqueda de sentido social que va más allá del otro en escena, aún más allá del público y se dirige al cielo eterno que no responde tampoco.

Sí, no, sí, no, sí, no: una sola respuesta que motiva a los artistas. Son dos cuerpos que son dos culturas: la ajena y la propia. Olga da vueltas sobre sí misma como el mexicano da vuelta sobre sus propios problemas, negándose a salir de un solo lugar común. Llega Domenico y la arrastra para juntos explorar nuevas maneras de danzar, nuevas maneras de ser y existir.
Cae la oscuridad y en ella sólo se escucha una voz I need you y unos chasquidos que reverberan en el auditorio generando ecos que se repiten en otras manos. ‘cause without you y los aplausos se multiplican, los ruidos que surgen de la cuarta pared destruida. I am nothing y queda claro que juntos Domenico y Olga han creado una nueva manera de ser que incluyó a todos los presentes.

ONÍRICO. Más allá del cuerpo, el alma

Acercándose al final de su décimo tercera edición, el Festival Internacional de Danza Extremadura nos presenta un concepto diferente a lo propuesto a lo largo del evento, en donde se da al espectador una rica gama de posibilidades de expresión en forma e idea.
Onírico, una compañía mexicana que fusiona la danza y la expresión gestual para lograr integrar completamente al espectador  con la idea medular de la obra, se presentó en la Gran sala del Teatro de la Ciudad con una composición muy interesante en donde aborda el tema de la espera del ser humano por conseguir sus sueños y el proceso que se vive en el transcurso de lograrlo.
Personajes: positivos, encantados, sociables, abiertos, tácitos, adorables.
Contexto: atemporal, asimétrico, inmensurable, festivo, divertido.
                  
Nos presentan un trabajo muy interesante de representación teatral en un escenario sumamente sugerente y a pesar de ver en su mayoría una expresión corporal teatral se muestra claramente la danza en movimientos igualmente sutiles que exagerados. La historia permite echar a volar la imaginación del espectador despertando una atmósfera de magia y colorido que más allá de la expresión del cuerpo se siente el alma del personaje, a su vez la utilización de una música que contextualiza acertadamente y lleva a la mente por algún lejano lugar que sin duda alguna conocerás.
Se observa una conjugación de movimientos firmes enmarcados con acentos sonoros que a su vez evocan una serenidad en el trabajo de dos artistas en escena que fabrican toda una historia y dos personajes que se unen a través de una amistad, un compartir, una espera, un aprender y un vivir.

Se logra una recreación adecuada  e insinuante de la escena que sucede por completo en la banca de algún muelle, pero la utilización de multimedia nos transporta en el cierre de la presentación a ese muelle específico y nos muestra la culminación de esa larga espera, por fin ha llegado el barco.
Los marinos se va por ahí a algún lugar, el telón cae y en las butacas muchos sueños siguen su espera.

Nocturnos en Soledad

En el marco del XIII Festival Internacional de Danza-Extremadura-Lenguaje Contemporáneo se presentó ayer 30 de octubre la Compañía Estatal de Danza Contemporánea de Oaxaca. El festival clausuró con la presentación titulada Nocturno, memoria del viento, bajo la dirección general de Alejandra Serret con la participación de Rolando Beattie a cargo de la dirección actoral y la coreografía.
Nocturno, memoria del viento se presenta ante el público como una obra compuesta por cinco escenas o cuadros: fragilidad, susurros, del sigilo, en el silencio y tenue equilibrio. Ocho intérpretes, cuatro hombres y cuatro mujeres, se encargan de presentar en el escenario distintos momentos de la existencia humana, desde la solitariedad intrínseca a nuestra existencia hasta la plenitud que podemos encontrar con el otro.
El contraste es el leitmotiv de la obra que se construye a partir de contrapuntos presentados en cada uno de los danzantes. El introito deja claro el carácter emocional de los artistas: ese let me out nos permite apreciar la liberación que permite el arte, en especial la danza.
Los movimientos lentos y fluidos con los que inicia la liberación se transforman súbitamente, al compás de la música, en movimientos veloces y marcados de energía contenida que busca escaparse a como dé lugar. Poco a poco el escape parece dejar a los cuerpos en simples marionetas que responden a movimientos mecánicos, expresando claramente la fragilidad que envuelve al hombre, especialmente en el ambiente que genera un nocturno como forma poética.
Los susurros que inundan el escenario se escuchan sólo en la cabeza de los danzantes, pero se manifiestan para el público en los movimientos aparentemente desconectados de cada uno de ellos. El efecto creado es entonces uno de baile inconexo, porque el mismo ojo es incapaz de seguir la acción en todo el escenario. Sin embargo, así como el susurro es un sonido que apenas es escuchado por una persona pero puede crecer hasta ser escuchado por muchos, el baile se transforma y va uniendo a los ocho en un complicado entramado que da muestra de la flexibilidad del ser humano en el espacio mismo.
La pasión surge cuando la música se transforma en un tango donde los danzantes en pareja dan muestra de las complicadas relaciones humanas. Por un lado está el calor corporal que motiva la pasión, pero por otro está la seducción amorosa tentadora y aún por otro la pasión rechazada.
Finalmente, aparecen una vez en el escenario las flores físicas que metafóricamente portaban los danzantes en su vestimenta. Este elemento parece remitirnos en mano del joven al claro símbolo del amor que busca que lo correspondan, que inicialmente aparece rechazado pero finalmente encuentra su contraparte.
La soledad inicial da pie a la unión de parejas y grupos, así como el ser humano encuentra en el otro su compañía que permite encontrar más de sí mismo. Los movimientos lentos, casi imperceptibles, de los pasos finales permiten observar el paso lento de la vida, de las emociones humanas, de la existencia misma.